En este vídeo de apenas 3 minutos, publicado por La Magia del Tono, Paco Trinidad explica una técnica para reducir o eliminar la reverb ya aplicada a un archivo de audio.

Paco elabora el tutorial con Pro Tools LE, aunque puede hacerse lo mismo con cualquier otro DAW. Por toda herramienta utiliza una EQ, un filtro highpass y un compresor.

Visto en Hispasonic

Estas son 10 recomendaciones para generar estrategias que pueden conducir al éxito en la música, y en la vida. Por supuesto, no son infalibles y tienen más que ver con el sentido común que con alguna habilidad especial, pero vale la pena la lectura.

1. Vivir de la música es un privilegio. Ganalo.

Hay muy pocas cosas más satisfactorias que poder pasar el tiempo haciendo música. Si podés hacer de este trabajo tu medio de vida, tal vez puedas ser realmente feliz. Sin embargo, las posibilidades de lograr el éxito son muy bajas y las únicas personas que van a llegar van a tener que trabajar duro y ganarse el derecho a ser músicos. Respetá el privilegio de tener la libertad como para poder optar por este medio de vida (si la tenés) y honrá la oportunidad.

2. Nadie está a cargo de tu musa, sólo vos. Sé feliz y positivo.

Cada individuo puede ser su peor enemigo. Incontables veces he oído a artistas decirme las razones por qué su carrera no está funcionando. La mayoría del tiempo se ponen obstáculos en el camino y señalan con el dedo a la gente y las cosas que los frenan. Dejá de lloriquear y culpar a los demás y tomá la decisión consciente de que vas a tener éxito y que las cosas van a trabajar en tu favor. Vos estás creando tu propia realidad cada día, así que hacé que sea buena y sé excelente.

3. Práctica, práctica, práctica – luego, lanzate. Preparate de más.

Nunca se puede estar lo suficientemente listo ante una oportunidad. Tus actuaciones en vivo siempre pueden ser mejores, tus canciones pueden ser más sorprendentes, y tu forma de tocar sólo puede mejorar. Como CEO de tu propio negocio de la música, debés aprender a dirigir la empresa de forma más eficaz, llegar a más fans y ser un más efectivo comunicador en los medios sociales. No te retraigas por no estar listo. Sé un profesional.

4. Si sos malo, nunca conseguirás llegar. Buscá la forma de ser genial.

Afrontémoslo, es muy difícil ser increíble. Algunas personas tienen talento natural y se puede ver a los 5 segundos de conocerlos. Están verdaderamente bendecidos. El resto de nosotros tenemos que encontrar nuestro nicho, nuestra pasión, nuestro llamado y luego ir a por ellos. Preguntá a la gente a tu alrededor para tener retroalimentación. Encontrá lo que está bien y concentrate en eso. Conseguí otras personas para que te ayuden. Si no te destacas de la multitud, vas a luchar para siempre. Sé increíble.

5. Aprendé a respirar y mantené tu enfoque. Mantené la calma.

No hay nada más agradable que trabajar con alguien que sepa quién es y cuál es su meta. Recordá el viejo adagio de pensar antes de hablar, y respirá profundamente antes de agredir a alguien. La mayoría de nosotros tenemos muchas cosas en nuestras vidas y todos pueden beneficiarse de permanecer enfocados en sus objetivos y mantener la calma en la mayoría de las situaciones. Aprendé yoga, hacé ejercicio, corré, meditá, quedate quieto, respirá, aprendé quién sos.

6. No te tomes demasiado en serio, nadie más lo hace. Divertite.

Estoy sorprendido de cómo muchas personas pasan mucho tiempo mirando hacia atrás y tratando de entender lo que la gente piensa de ellos. Esto es preocuparse por el pasado y no abrazar el futuro. Los comentarios son importantes, pero no te precipites hacia ellos ni los dejes arruinar tu día. No les vas a gustar a todos, pero le vas a caer mejor a más gente si la estás pasando bien.

7. No importa cuán difícil se pongan las cosas, avanzá. No te rindas.

La única cosa que ayudará al despegue de tu carrera es el impulso hacia adelante. Así es como vas a alcanzar tus metas. Muchas personas están atrapadas en su propio lodo. Tomá medidas, hacé un movimiento y luego mirá qué pasa. No pierdas tiempo procastinando ni preocupándote por lo difícil que es todo, simplemente hacé algo positivo para avanzar tu causa. Te vas a sentir mucho mejor actuando en lugar de esperar o preocuparte.

8. Encontrá una manera de generar ingresoso. Comenzá con algo pequeño y crecé. Evitá estar en deuda.

Esta es probablemente la estrategia más importante de todas y el motivo por el que tantos artistas se han metido en problemas en el pasado al aceptar los adelantos de las discográficas. Después de todo, es un préstamo grande. Obtené algún tipo de flujo de efectivo de inmediato, no importa cuán pequeño. Vendé merchandising, tocá en vivo, licenciá tus canciones, tocá en sesiones, enseñá, escribí, comenzá tu negocio musical. El mayor error que podés hacer es pedir prestado un montón de dinero y gastarlo en cosas que no importan.

9. Sé único y fiel a tu visión. Decí algo.

Las personas que recordamos son las que son únicas, emocionantes, extraordinarias, provocativas, fascinantes, originales, creativas, interesantes. La música es una forma básica de comunicación. Los artistas realmente exitosos tienen algo que decir y trabajan en entregar su mensaje. Tus posibilidades de éxito aumentan exponencialmente si tenés una posición y un mensaje únicos y creás un grupo de fans que te escuchen de verdad porque tenés algo importante que decir.

10. Trabajá y tocá con gente como vos todos los días. Colaborá a menudo.

La música es una experiencia tribal. No se puede hacer buena música sólo. Rodeate de gente talentosa, escriban juntos, toquen juntos, probá cosas nuevas. Prueben nuevas ideas y aprendan. Escúchense unos a otros y dejen que la música sea la manera de conectarse. Encontrá un productor, un socio en la composición de canciones, otros músicos y sumérjanse juntos. El todo es mayor que la suma de sus partes.

Dave Kusek es el fundador y director general de Music Power Network y Vice Presidente de Berklee College of Music. También es el co-autor del best seller sobre el negocio de la música, The Future of Music: Manifesto for the Digital Music Revolution.

Vía KnowTheMusicBiz.com

Escrito originalmente para la revista TVyVideo por Francisco Urdaneta, este excelente artículo trata de plantear las consideraciones que deben tenerse en cuenta a la hora de mezclar para un sistema surround, y lograr que sea compatible en la mayor cantidad de sistemas posible.

Hace un par de años asistí a la sesión de mezcla de un comercial para TV. Como es natural, el representante de la agencia quería mas “punch” en la voz, y el ingeniero de sonido decidió “darle espacio” a la mezcla mediante la introducción de elementos fuera de fase. Debo admitir que en el ambiente controlado del estudio la mezcla sonó bien. Al revisarla en un receptor estereofónico resultaba pasable, aunque algo confusa. Pero al oírla en un TV coreano monofónico de 20” la mezcla se reducía a una voz solitaria sobre un murmullo de música y efectos con uno que otro golpe de platillos opacando la voz del locutor.

Lo triste del asunto es que esto nos pasa todos los días. Para efectos prácticos lo que oyen nuestros usuarios monofónicos es el mixdown pasivo de una mezcla estereofónica que en la mayoría de los casos no toma en cuenta las limitaciones de la importante porción del público que sigue escuchándonos a través de una sola bocina.

Cuando más es menos

¿Cómo suenan los discos DVD con los éxitos de Hollywood en un TV monofónico de 14”? Generalmente no muy bien. Cuando las poderosas mezclas que hacen retumbar los teatros son reducidas a una pista monofónica por un circuito integrado de 4 centavos de dólar pierden bastante fuerza. Por eso Hollywood hace el esfuerzo de incluir mezclas 2.0 en la mayoría de títulos comerciales. Pero como saben todos los entusiastas, la gran mayoría de consumidores no se toma el trabajo de seleccionar el audio que más les conviene al empezar a ver una película, y el trabajo de mezcla lo hacen finalmente el reproductor de DVD o el televisor.

Creo que podemos estar seguros de que nuestra migración a sonido surround no incluirá la realización de mezclas 2.0 adicionales en beneficio de algunos televidentes, además de que lo más probable es que en el mundo real no podamos contar con mecanismos para transmitirlas. Entonces podemos asumir que en los próximos años sólo algunos de nuestros espectadores empezarán a disfrutar del envolvente resultado de nuestros esfuerzos en sus teatros caseros bien o mal instalados… mientras la mayoría seguirán escuchando mixdowns de nuestros productos, bien sea en estéreo o en monofónico.

Lo que oiremos en casa en estos casos es el mixdown pasivo (o con un procesamiento preestablecido) de una buena mezcla 5.1, el cual generalmente tiene un rango dinámico excesivo para lo que el televidente normal está habituado a oír desde su televisor; recordemos que hemos acostumbrado a nuestros espectadores a transmisiones sobreprocesadas que son como una serie continua de gritos, lo que hará que para el televidente promedio ese mixdown simplemente suene muy fuerte en algunos momentos y algo confuso la mayor parte del tiempo.

Y para complicar las cosas, algunos de ellos empezarán a recurrir a los impredecibles simuladores de sonido surround que han empezado a aparecer en tiendas y programas de televentas prometiendo resultados milagrosos si uno los compra ya mismo…

Y ahora somos seis…

¿Cómo manejar nuestro sonido surround? Básicamente haciendo mezclas bien hechas. Los expertos en mezclas X.1 hacen una recomendación básica: Las bocinas traseras solamente deberían sentirse si desaparecieran. Es evidente la importancia que tiene la proyección espacial de los efectos de sonido, pero el uso exagerado de los canales adicionales generará mayor presión sonora de música y efectos en un hipotético mixdown estéreo, que para un usuario desprevenido es sinónimo de ruido.

Mientras más surround le pongamos a las mezclas más se “ensuciarán” los diálogos del canal central al “bajar” a estéreo. Y cuando la creatividad mal entendida se cruce en el camino y las voces empiecen a aparecer en los canales traseros o se refuercen los bajos para que el subwoofer “se haga sentir”, empezaremos a generar escenarios en los que el televidente común no va a querer seguir con nuestra programación porque las voces no se van a entender.

Aparte de las condiciones estéticas de la mezcla, la realización de programas con audio multicanal presenta una interesante variedad de problemas técnicos nuevos. Un manejo descuidado del procesamiento de señales puede generar inconsistencias muy notorias en sonoridad aparente (“loudness”). Los problemas de fase que aquejan nuestras mezclas estereofónicas pueden causar efectos impredecibles en plataformas de audio envolvente –efectos absurdos como un sonido “tapando” a otro, por ejemplo.

En casos extremos, los ajustes exagerados de ecualización o el uso indiscriminado de efectos de reverberación pueden generar distorsiones espaciales importantes… la lista de posibles problemas es interminable.

Y mientras aplicamos el refrán que dice que “echando a perder se aprende”, nuestro público se va haciendo más competente para evaluar la calidad técnica del audio que le entregamos. Más que nunca dependemos del oído y de los juguetes de nuestros espectadores, quienes además no pueden evitar comparar nuestro trabajo con las maravillosas mezclas de los discos DVD que escuchan todos los días.

Para concluir de una manera descarnada la situación es esta: Si nuestra gente a veces se enreda manejando dos canales deberíamos asegurarnos de que están preparados para manejar cinco o seis de forma competente.

Otros problemas…

Desde el punto de vista de transmisión la migración a sonido envolvente puede reducirse a una serie de cuestiones técnicas. Una operación que solamente necesite hacer passtrough de piezas terminadas – como un canal de cine o de videos musicales – solamente debe asegurarse de que los canales se encaminan correctamente y quizás procesarlos levemente para asegurarse de la uniformidad de los niveles al aire. Aunque si somos gente responsable quizás deberíamos también montar una plataforma que nos permita asegurar la calidad de los originales que retransmitimos…

Los problemas serios aparecen cuando estudiamos las cosas desde una perspectiva de producción. ¿Sabemos hacer audio envolvente en directo? Quienes asumen que basta con tener una consola grande para salir del paso van camino a una catástrofe. Creo que puedo afirmar con propiedad que no es posible usar los auxiliares de un mezclador estéreo 8x4x4 para generar los canales traseros de una mezcla surround decente…

Otros temas importantes: ¿Cómo hacer trabajo de microfonía para sonido envolvente? ¿Cómo se manejan las noticias en surround? ¿Cómo validar un sistema de monitoreo? ¿Cuáles son los aspectos legales del uso de sistemas de procesamiento con licencia? (recordemos que Dolby es una marca…) Y para terminar, el asunto más importante de todos: ¿Cómo nos están oyendo nuestros espectadores?

El problema real al que nos enfrentamos es aprender a manejar sonido envolvente mientras nos aseguramos de que cualquier televidente frente a cualquier receptor nos oiga razonablemente bien. Esta vez no se trata de aprender con base en el estudio de principios de ingeniería. Para lograr una migración exitosa debemos estudiar prácticas de ingeniería, que están perfectamente documentadas en las publicaciones de referencia de SMPTE, NAB y EBU, entre otras entidades.

¿Qué debemos hacer entonces para asegurar audio envolvente de buena calidad y agradable para nuestros teleespectadores? Estudiar. Estudiar mucho. Aprender de colegas y competidores Y yo diría que ver mucha televisión.

Y hablando de ver televisión, volvamos a la historia del principio. Algún tiempo después de la sesión de mezcla de la que hablábamos hace un rato, hice que el ingeniero en cuestión oyera su comercial en el televisor de un restaurante, y con toda tranquilidad me dijo que no le preocupaba que el comercial sonara mal en un televisor barato. Según él lo único importante era que el cliente salió satisfecho del estudio, y que después de todo los dueños de televisores baratos no compran las camionetas de su anuncio.

El personaje se molestó un poco cuando le recordé que durante un comercial de 30 segundos el televidente puede cambiar de canal entre cinco y diez veces. Y que el cliente puede enojarse si su comercial suena mal; de hecho puede que no quiera pagar por el tiempo al aire. Y nuestro ingenuo ingeniero cortó el tema diciendo que eso no era problema suyo, que era asunto de cada canal. Y tenía toda la razón: Es nuestro problema.

Estos son diez consejos que escribió Pi Jacobs para conseguir licenciar tu música en cine, TV, o cualquier otro tipo de contenido audiovisual. Si bien está pensado para el mercado norteamericano, tal vez algunos de los consejos apliquen para latinoamérica, por eso los publico.

Por Pi Jacobs

1. Escribe y graba la mejor música que puedas, con toda la pasión que puedas reunir: A pesar de que he escrito y licenciado piezas estrictamente para llenar la necesidad de un programa, son las canciones que he escrito para mí las que aparecen una y otra vez. Creo que es porque puse un pedacito de mi alma en estas canciones, y la gente siempre responde a eso.

2. Dicho esto, siempre hacen falta canciones para peleas y persecuciones de autos: Me he divertido escribiendo y produciendo algunas piezas para peleas y persecuciones, aunque este bastante lejos de mi genero como cantautora. He licenciado algunas de estas piezas, y me encuentro con que mis fans también pueden disfrutar de este material “alter ego” también.

3. Se trata de las relaciones: Quienquiera que pueda licenciar su música es un ser humano con sus propios problemas, gustos, y factores de estrés. Siempre trata de ser una persona que disfruta trabajando. El sentido del humor y profesionalismo hará que quieran trabajar contigo sobre cualquier persona de igual talento que sea desagradable.

4. Lomos y formatos: Muchos supervisores musicales prefieren archivos digitales o CDs en caja que son fáciles de almacenar y catalogar por la información del lomo. A veces requieren formatos de audio específicos (mp3 192k, o WAV o AIFF). Sí, es un dolor de cabeza. Y sí, debes hacer el trabajo para entregarlo en el formato que te han solicitado.

5. Envía sólo las canciones o piezas que se ajustan a la búsqueda solicitada: Si un supervisor ha pedido un cierto tipo de canción, no le envíes algo que no encaja en su descripción. Sólo los hará enojar, y puede que te saquen de su lista. Los supervisores no suelen explicar sus necesidades en términos técnicos musicales, asi que dedica algún tiempo a escuchar las canciones a las que hacen referencia, y trata de entender lo que ellos (o su cliente) quieren cuando dicen: “Necesito algo que suena verde y pegajoso, pero no demasiado agresivo, con una gaita “.

6. Reparte la torta: Si co-escribes, acuerda con tus colaboradores cómo se divide la canción antes de escribir una nota. Encuentro que dividir las cosas por igual, independientemente de lo que cada persona aportó al proceso de escritura, salva amistades y ahorra honorarios legales.

7. Administra: Es tambien recomendable llegar a un acuerdo previo para dejar que uno de los colaboradores “administre” la publicación. Más de la mitad del trabajo de un supervisor musical es “limpiar” la canción, y usualmente tienen que hacerlo a toda prisa. Tener un “administrador” acelerará su autorizaciones, mientras que tener que conseguir cuatro firmas puede asesinar un acuerdo. De hecho, la mayoría de las bibliotecas de música y programas de televisión no trabajan con personas que no controlan el 100% de su obra.

8. Dar para recibir: “Nunca renuncies a tu publicación” fue el lema que me fue inculcado apenas me inicié en el negocio de la música. Aunque la idea básica sigue siendo una buena guía, he encontrado que he tenido éxito con la filosofía: “Nunca renuncies a la publicación, sin una buena razón!” A veces tiene sentido hacer negocios renunciando a algún porcentaje, para obtener un trato.

9. Haz lo del punto anterior, pero no seas exclusivo: A menos que estes recibiendo una gran suma de dinero y exposición nacional, deberías conservar el derecho a vender tu música a otra persona. He encontrado que algunas canciones se utilizan una y otra vez en distintos espectáculos y películas. Toma mucho tiempo y mucho dinero escribir y grabar una gran canción. Si tienes una, deberías ser capaz de explotarla en tantas formas como sea posible.

10. Baila: Si vives en LA, todos los que conoces pueden ser un potencial licenciante. De lo contrario, hay muchos servicios en línea de gestión que pueden ayudarte a comenzar. MusicSupervisor.com o FilmMusic.Net son dos buenos, pero hay varios, sólo asegúrate de investigar.

Vía URB Magazine

• Se vuelve más importante encontrar un lugar en el escenario para tu ventilador que para tu amplificador.
• Tu ropa de concierto hace que te parezcas a George Burns al cabo de una ronda de golf o a Dolly Parton sin pechos.
• Todos tus fans se retiran antes de las 9:30 p.m.
• Todo lo que deseas de las groupies es un masaje de pies y que te froten la espalda.
• Te encanta tomar el ascensor porque podés cantar todas tus canciones.
• En lugar de un quinto miembro, la banda quiere ir en busca de un roadie.
• Perdiste la dirección del concierto.
• Necesitas anteojos para ver la configuración del amplificador.
• Te dañaste la espalda saltando del escenario.
• Te sentís como el infierno antes de que el concierto comience.
• La camarera es tu hija!
• Parás a la banda porque tu ibuprofeno cayó detrás de los altavoces.
• La mayor parte de tu público sólo se balancea en sus asientos.
• Encontrará tus vales para bebidas del concierto del mes pasado en el estuche de la guitarra.
• Te negás a tocar sin tapones para los oídos.
• Le pedís al dueño del club si podés comenzar a las 8:30 en lugar de las 9:30.
• Consulteás lo que dan en la tele antes de reservar fecha para un show.
• Tu banqueta de concierto tiene respaldo.
• Sos pariente de al menos un miembro de la banda.
• No dejás que nadie proteste.
• Necesitás una siesta antes del show.
• Después del tercer set, le insistís al propietario del club para poder salir temprano.
• Durante las pausas, vas al camarín a recostarte.
• Preferís un atril con luz.
• No te recuperás hasta el martes a la noche.
• Esperás que el discurso del anfitrión dure para siempre.
• Comprás un amplificador teniendo en cuenta su peso y no cómo suena o el factor “cool”.
• Te sentís culpable de mirar a las chicas lindas del público, porque son más jóvenes que tu hija.
• Podés recordar siete nombres de clubes diferentes de la misma localidad.
• Tenés un vago recuerdo de los días en que podías hacer 10 conciertos en 7 días y te daba el cuerpo para hacerlo!
• Tu cita no llegó porque no podía encontrar una niñera para sus nietos.
• La lista de temas tiene que ser en tipografía de tamaño 20.
• La droga que elegís ahora es el café…
• Parece imposible encontrar zapatos de concierto con un apoyo decente para el arco.

Vía Music Marketing [dot] com

Esta serie de tutoriales sobre Melodyne fue realizada por Juan E. Otegui y Hernán Touzón, para la materia Masterización y Posproducción de la UNLa.

El Melodyne es un software que permite, además de grabar música, el corregir afinaciones y notas en lo grabado. Melodyne reconoce cada nota de la melodía grabada y permite editarla cual si fuera un arreglo MIDI, pero con instrumentos “reales”.

Hay algunos tutoriales más en el canal de Yotube de Juan Otegui, a quien agradezco por este material.

En este video que publica la revista Ñ, Ricardo Blanco, director de comunicaciones de YouTube para América latina, deja en claro los tips para difundir música a través de la plataforma de videos más grande en Internet.

Y es que hace tiempo que Youtube se convirtió en una catapulta para un sinnúmero de artistas de las más diversas disciplinas, que incluyen, por supuesto, la música.

Estos tips fueron recogidos en el marco del ciclo de capacitación organizado por la Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas (CAPIF) en la sala Batato Barea, del Centro Cultural Ricardo Rojas, al que asistieron productores musicales, periodistas, y –fundamentalmente- músicos independientes, con el objetivo de explorar las infinitas posibilidades que brindan las herramientas web 2.0 e internet para la promoción y difusión de material discográfico.

Las claves, según Blanco:

• Poner muy bien tu metatexto, poner muy bien de qué se trata el video
• Ser honesto, poner información técnica, específica y que vaya al grano
• Explicar quién eres
• Hacer listas de reproducción, con tu video, y bandas que influyen en tu música
• Responder con tus videos a otros videos con música similar a la tuya
• No ser estático: sube todos los videos que puedas, al menos uno por semana
• Habla a la cámara: habla a tus seguidores

La nota original, en Revista Ñ

Estos son algunos puntos para tener en cuenta al comprar los altavoces o parlantes que son, en definitiva, lo más importante de un home theater. La guia la escribió Steve Guttenberg de Audiophiliac.

Primero, determiná la prioridad de tu sistema. Vas a ver películas o escuchar música? Mucha gente hace una cosa o la otra.

Dado que más gente compra altavoces para home theater para ver películas antes que para escuchar música, voy a empezar con eso.

No es exagerado afirmar que en los home theater orientados a cine el éxito o fracaso del sistema se basa en el funcionamiento y la calidad de sonido del parlante central. El altavoz del medio reproduce prácticamente todos los diálogos, y puede, dependiendo de la mezcla, entregar casi el 80 por ciento de la música. El altavoz central tiene mucho trabajo.

Por eso, invertí el 30 por ciento del presupuesto de tu sistema 5.1, 6.1 o 7.1 en el altavoz del centro, un home theater centrado en el Centro. Como siempre, cuando se trata de calidad de sonido, el tamaño importa. Los altavoces centrales grandes tienden a sonar mejor que los pequeños.

El subwoofer es el próximo elemento más importante en un sistema de home theater. Invertí otro 30 por ciento de tu dinero en él. El subwoffer es el responsable del impacto y el poder del sistema.

Esto deja un 40 por ciento del presupuesto para los parlantes delanteros y traseros izquierdos y derechos. De esta sume, invertí un poco más en los en los parlantes delanteros.

Lo que describo aquí es un poco fuera de lo convencional, pero se basa en la creencia que el mejor sonido posible del centro y el subwoofer es crucial para la performance del home theater. Asumo también que todos los parlantes y probablemente también el sub son del mismo fabricante.

Para sistemas más orientados a la música las prioridades se invierten. Un cincuenta por ciento o más del presupuesto debe ir a los altavoces delanteros izquierdo y derecho, que deben ser lo suficientemente grandes como para producir buenos bajos por sí mismos sin ayuda de un subwoofer. El presupuesto remanente se gasta en el parlante central y los traseros (más en el central que en los traseros). Es el concepto llamado “Home Theater estéreo más tres”.

Desués de todo, la música es principalmente estéreo, asi que tiene sentido invertir la mayor parte donde en quienes hacen el mayor trabajo: los altavoces izquierdo y derecho.

Por último, los sistemas 50/50 música y películas. Distribuí tu presupuesto uniformemente, y comprá un sistema más típico que ya venga “emparejado”.

Por último, que quede claro que en cuestiones de audio no hay nunca una respuesta definitiva, es todo una cuestión de gusto. Con los altavoces y los subwoofers lo mejor que podés hacer es escuchar por vos mismo, y comprar los que mejor te suenen.

Vía The Audiophiliac

Torley Wong en este post abona a la polémica y casi eterna discusión acerca de si es mejor tener un piano o un sintetizador. En definitiva, un piano es más caro, más dificil de mantener y requiere más espacio, asi que… por qué no animarse a un sintetizador?

Torley afirma que un sintetizador es siempre una mejor elección que un piano, y estos son sus motivos:

1. Tocar un sintetizador es lo mismo que tocar un piano… con agregados

Los sintes tienen las mismas teclas negras y blancas que los pianos, y en la misma cantidad. Incluso hay sintes con sensibilidad en las teclas, que imitan el peso del martillo del piano.

Además, los sintetizadores suelen tener controles adicionales, como una rueda de pitch-bend (para emular otros instrumentos) y una rueda de modulación (para añadir expresividad), además de las perillas y deslizadores. Estos pueden hacer un sonido más apagados o brillante, agregar reverberación para que un piano suene como el si estuviera en el Gran Cañón, y mucho, mucho más.

2. Los sintetizadores son, por lejos, más baratos

Un piano decente aunque barato puede costar desde unos u$s 2.500, mientras que un sintetizador completo como el Yamaha MOTIF XS6, cuesta ese dinero (en Estados Unidos).

Claro que tambien se puede optar por un controlador MIDI para adosar a la computadora, que son incluso más baratos y que cuentan con toda la potencia de procesamiento de sonido de una computadora atrás, para emular cualquier instrumento.

3. El sintetizador te deja practicar sin molestar a otras personas

Es imposible practicar en el piano sin que se enteren los vecinos y todos los que habitan la casa. Esto hace que los horarios de práctica se vuelvan realmente acotados… y ni hablar si la inspiración te ataca a las 3 de la mañana…

Por el contrario, todos los sintetizadores, aún los pianos eléctricos, tienen la opción de enchufar auriculares, y, además de no molestar a nadie, también es bueno para concentrarte únicamente en lo que estás tocando.

4. Los sintetizadores no se desafinan (a menos que quieras) y son fáciles de transportar

No hay necesidad de llamar a un afinador de pianos. Aunque los primeras sintetizadores analógicos, como algunos Moogs, tenian cierta inestabilidad en el pitch, las generaciones actuales no sufren ninguna fragilidad. Sin embargo, algunos diseñadores han introducido deliberadamente detune y drift en el sonido para lograr un efecto de wow y flutter.

Los pianos reales, por el contrario, son débiles contra el tiempo y el traslado. Claro, también son mucho menos portátiles, que es un problema si desea llevar su instrumento de gira.

5. Los sintetizadores fomentan la exploración sonora

Las técnicas de digitación y otros virtuosismos se pueden aprender en un sintetizador de 88 teclas con sensibilidad en las teclas. Y, luego, el sonido de un sintetizador puede variarse y explorarse en cualquier sentido: se aprende a tocar el piano, pero también se cuenta con sonidos de guitarra, de vientos, de un sinfín de instrumentos, e incluso se pueden inventar sonidos propios. El único límite es la propia imaginación.

6. En un sintetizador se aprenden habilidades que van más allá de tocar el teclado

Aprender sobre la síntesis del sonido, sobre MIDI, sobre cómo interconectar equipos electrónicos, cómo interactuar con una computadora, crear ritmos, etc, es imposible con un piano “común”. Un sintetizador, a fin de cuentas, forma un músico con más conocimiento de la música en general que de un instrumento solo.

Eso si: no escatimes en un profesor

El ahorro que conlleva comprar un sintetizador en lugar de un piano puede invertirse en un buen profesor. Las clases se pagan, pero la alegría y el gozo de aprender música no tiene precio. El factor humano no puede ser sustituido por una máquina, y si bien hay una gran diferencia entre estilos de enseñanza, si más o menos compartías lo que se dice en el artículo tenés que buscar un profesor que entiende las relaciones entre los estilos de la música y que no se queda con uno solo. Siempre es más emocionante y potente el enfoque interdisciplinario, especialmente en la música.

Vía Wisebread.com

La anécdota de la semana (además, obvio, de la muerte de Michael Jackson), es esta historia de cómo Amanda Palmer, cantante y líder de The Dresden Dolls, logró ganar 19.000 dólares con Twitter, en apenas algunas horas.

¿Cómo hizo? Básicamente, se trató de estar en contacto con sus fans, y de liderar su tribu, tal como lo diría Seth Godin.

El hecho de que pasar un rato en Twitter le haya hecho ganar mucho más dinero que publicar un disco con una discográfica grande y producido por uno de los más importantes músicos del momento, habla mucho sobre el actual estado de la industria de la música. Pero es que hacer música siempre fue, en definitiva, una excusa para estar en contacto y llegar a mucha gente con un mensaje, y hoy en día las posibilidades de lograr eso son enormes, con un esfuerzo a veces ínfimo.

Asi que, si sos músico y todavía no tenés tu cuenta en Twitter, no se qué estas esperando.

Y cuando lo hagas, tené en cuenta estos consejos:

1. No abras una cuenta de tu banda, abrí una cuenta personal tuya, o de cada uno de los integrantes. No es lo mismo poner “hoy estuvimos ensayando con @bajista y @guitarrista” que poner un escueto “hoy estuvimos ensayando”, siempre es mejor saber quién genera el mensaje.
2. Comunicales a tus fans que estás en Twitter. Linkea a tu cuenta de Twitter desde tu MySpace, desde Facebook, desde el sitio de la banda, desde todos lados. Hasta en los flyers del próximo concierto, podés poner un “seguinos en Twitter”.
3. Escribí cosas interesantes. Twitter tiene sólo 140 caractéres, asi que no es tan dificil de actualizar como tal vez pueda serlo un blog, con lo que podés generar contenido interesante de forma relativamente sencilla. Por ejemplo, si estás yendo a la sala de ensayo, si escribiste un nuevo tema, si tienen una nueva fecha para tocar, si aprendiste algo nuevo que querés compartir… cuanto más personal, mejor. Obvio, no tenés que abandonar tu privacidad por estar en Twitter, pero seguro hay muchas cosas que a tus fans pueden resultarles importantes saber sobre vos. Y tampoco tenés que estar promocionando todo el tiempo a la banda, eso puede ser contraproducente.
4. Hablales a los demás. Participá de la conversación. Hablarles a los demás estimula a que te sigan y “retuiteen” tus mensajes, que es la mejor forma de lograr que más gente te siga.
5. Reenviá lo que te parezca interesante. Retuitear es una forma de participar en la conversación, y también es una forma de recompensar a quien te haya provocado una sonrisa o te haya dado motivos para reflexionar o investigar más sobre algo. Un mensaje en Twitter puede despertar muchas cosas, y a los mejores es bueno darles crédito.
6. Regalá cosas. Una canción nueva, entradas para un recital, una foto autografiada, lo que sea. Si Trent Reznor lo hace, por qué vos no?
7. Apuntá alto. ¿A quién admirás? Tal vez tiene su cuenta en Twitter. Tal vez está atento a quienes lo siguen. Tal vez se interese por lo que le decís. Quien sabe. Extrañas cosas pueden pasar, y tal vez vía Twitter podés concretar el sueño de lograr que un artista que admirás mucho grabe con vos, o al menos critique tu trabajo.
8. Conectate con gente de la industria. En relación al punto anterior, tambien es importante que estés en contacto con otros músicos, artistas, y gente de la industria en general. Vas a estar mucho más informado, y vas a aprender mucho más del negocio, y las tendencias en la industria de la música. Y vas a ver cómo de a poco te van a ir agregando, a su vez, otro músicos
9. Preguntá cosas, pedí consejos, y tratá de generar respuestas. La idea es lograr una conexión con los demás, nunca te olvides de eso, y una buena forma de abrir el canal es colgando un interrogante.
10. La consistencia es la clave. No tenés que estar las 24 horas diciendo qué haces o dónde estás, pero es bueno que todos sepan que estás, y no que abras una cuenta en twitter para anunciar de vez en cuando algo. El objetivo principal es que todos sepan que estás ahí, y que tenés cosas interesantes para ofrecer.

Si vas a empezar a usar Twitter, agregame. Soy @elcarpo.